自古人类都有对神对信仰，最早的艺术品也都出现在神的殿堂里，表现神圣美好的境界。文艺复兴时代的意大利也不例外，只是在人文主义的思潮下，艺术家以更人性化的角度来表现神和阐释教义。也由于艺术的发展，除了教会大量以艺术来赞颂神、彰显神的存在和伟大之外，许多有能力的商人或富裕家族也都希望拥有表现神的宗教艺术品；特别是表现圣洁、慈爱与天真的《圣母子》更是历久不衰的热门题材。
拉斐尔所画的圣母子恬静优美，充满圣洁光辉，人见人爱，举凡有能力的人都希望能够拥有一张拉斐尔的圣母子，也因此他一生画了很多圣母子像。人们喜欢他巧妙的构图、优雅的气质与自然的完美结合。
拉斐尔享有“圣母画家”的美誉背后，其实有着辛苦而且实实在在的付出与努力。以下列举拉斐尔九件不同时期的圣母子画作，对比不同阶段的特点，并从中了解他逐渐成熟的艺术风格。
早期圣母像：（1504年 之前）
在来到佛罗伦斯之前，拉斐尔也承接过圣母子的委托绘画工作，这个时期的作品在题材上，拉斐尔用接近世俗化的描写方式处理宗教题材，将日常生活中母亲与幼儿温馨互动的形象应用到圣母与圣婴的主题，并加以理想化。 画面构图与造形上多是延续或参考其他前辈画家的作法。绘画技法上，则承袭老师佩鲁吉诺 （Perugino） 和谐宁静的艺术风格。例如：《圣母子与圣徒》（ Madonna with Child and Saints）， 《梭利圣母》（Solly Madonna c. 1502）和《康氏圣母》（The Conestabile Madonna）。
Oil on wood, 34 x 29 cm；Staatliche Museen, Berlin）（图片来源：公有领域）
《圣母子与圣徒》也被称为《冯．罗普的圣母》（ the Von der Ropp Madonna） 。构图与画家 il Francia 的作法十分接近， 圣母与圣子位居中间，平均两侧是圣徒杰罗姆和圣方济 （Sts Jerome and Francis ）。 艺术风格则是承袭佩鲁吉诺。
早期拉斐尔采用佩鲁吉诺画风创作的圣母子，属于小规模虔诚的宗教题材 。大约自1502到1504年间， 他的这类作品呈现出一个有趣的共同特征 ，即画面中多以圣母作为的主体，她手里拿着经书正在阅读。 而怀中的圣婴很有慧根似的也将头转向圣经方向，仿佛知道自己的来历和使命。《梭利圣母》与《康式圣母》就是典型的例子。
《康氏圣母》（The Conestabile Madonna 17.5 x 18 cm in St. Petersburg ）是一件小尺寸的作品（也可能未完成），这画可能是拉斐尔到佛罗伦斯之前 ，在翁布里亚（Umbria）的最后一件作品。它的名字来自佩鲁贾Perugia家族的Conestabile，这幅画也是描绘的圣母抱着圣子在读着经书。在1881年，当原作被移制到画布上时发现，圣母手中原先是拿着石榴（象征耶稣未来的牺牲与受难），而不是书。
中期（佛罗伦斯时期的蜕变）：（1504-1508）
从1504到1508年，拉斐尔在佛罗伦斯期间画了很多的圣母子像。尽管是相同的主题，拉斐尔从不自满而画地自限， 他对自己的挑战与要求，每一张作品都不同。拉斐尔很懂得吸收他人的智慧与经验，在绘画技术上，他深入研究人文与绘画精神，吸取前辈大师的技法，加上自己实实在在的经验积累，逐步形成圆润柔和的绘画风格。
短短的四年，拉斐尔成功的掌握了佛罗伦斯地区画家们成熟的素描和结构能力，也承传了北欧油画的细腻质感；他从达文西那里学到了严谨的构图与造形，以及节奏与韵律，也从向米开兰基罗学习了人体结构与雄壮的气势。 拉斐尔不但临摹 、速写，从他的素描习作中可以看到揣摩与提炼的痕迹，最后应用成为自己的作品。拉斐尔的巨大付出没有白费，蜕变后作品，除了依然保有原来的宁静、协调及恬静的秩序感之外，更加让人感到庄严却温暖，宁静却不死板。例如《大公圣母》、《花园中的圣母》。
《大公圣母》可能是拉斐尔于1505年抵达佛罗伦之后不久绘制的。 由于受到达文西的影响，从画中可以看出拉斐尔已知道使用晕染技法（sfumato）。这幅画作本属于托斯卡纳大公斐迪南三世（Ferdinand III, Grand Duke of Tuscany），后人也就以《大公的圣母》称呼这件作品 。
《花园中的圣母》这件作品是由锡耶纳（Siena）贵族法布里奇奥（Fabrizio Sergardi）委托绘制。或许受到达文西的启发，画面中以金字塔结构描绘了圣母、圣子和年轻的施洗约翰。它是目前在巴黎卢浮宫博物馆。在这张作品中，可以看到拉斐尔不仅学会应用达文西明暗对比的绘画技法，也学会将圣母的姿态处理得更为轻松自然。
除了以上所说的两件作品之外，还有《安西底家的圣母》（ Ansidei Madonna ），与《天彼家的圣母》（ Tempi Madonna. ）等作品。这些作品都有一个共通特点：保留了传承自佩鲁吉诺的优美形式与均衡的人物配置，转变过后的人物动态，呈现更加自然真实。加上理性自然的空间处理，与主题的单纯化，让作品更加凝练。换句话说，严谨的构成，让作品的画面在原有温暖细腻的丰美之中，更加稳健成熟。
后期（罗马时期）：（1508年之后）
自从离开佛罗伦斯，到罗马之后，拉斐尔开始应接不暇地接受教宗所指派的工作，多是大尺寸的壁画与庞大的工程任务，单纯描绘圣母子的简单题材的作品相对变得很少。然而， 经过历练后的拉斐尔 ， 技术更加洗炼，面对圣母与圣婴的相同主题，相近的内涵，拉斐尔的艺术语汇与手法却更加丰富自然，且具有文学与意境的表现力。表现在人物的姿态，人体的结构、构图色彩的搭配，空间的营造，光线使用、气氛的掌握等等，都俨然自成一格。 例如1510年的《阿尔巴圣母》（Alba Madonna） 与1513年《椅子上的圣母》（ The Madonna della seggiola） 的两幅。
Oil transferred from wood to canvas
National Gallery of Art, Washington, D.C.）（图片来源：公有领域）
《阿尔巴圣母子》中同样描绘了圣母、圣婴与施洗约翰，三人的互动的中心却是约翰与圣子共同扶持的十字架，暗示两人义无反顾地选择了将来为人牺牲的命运；圣母的视线也随着两个孩子望向十字架。三个人的群组结构被安置在圆形的画面设计中，圣母伸出的膀臂与斗篷平衡着整个画面。风光明媚的背景呈现的则是典型的意大利乡村景致，整体色彩纯净而鲜丽，是拉斐尔的绘画境界达到成熟圆满的表征。这件画作是保罗．纠维欧（Paolo Giovio）为诺塞拉帕加尼（Nocera dei Pagani）区的Olivetani教会委托画家制作的。由于这幅画在18世纪属于西班牙阿尔巴众议院 ，因此被后人命名为《阿尔巴的圣母》。
《椅子上的圣母》（The Madonna della seggiola or Madonna della sedia）是拉斐尔在1513年至1514年间绘制的，目前收藏在佛罗伦萨的皮蒂宫（Palazzo Pitti ）。画中描述甜美清纯的圣母拥抱着可爱的圣子，小施洗约翰在一旁虔诚地仰望。
这件拉斐尔在罗马创作的作品，不同于早期在佛罗伦斯的画风，相同的圣母主题却不再刻意追求严谨的几何与直线造形。相反的，拉斐尔受到画家提香（Titian）与德尔皮翁博（Sebastiano del Piombo）的影响，绘画中开始运用温暖的色彩。
结语：
提到圣母，人们立刻联想到的并非中世纪严肃刻板的脸孔，而是拉斐尔画笔下的一系列的美丽形象，有的散发慈祥的母性光辉，有的具备典雅的高贵气质，也有的如同少女般纯真甜美可爱。拉斐尔对女性美的深刻研究，确实有他独到之处。难怪欧洲人喜欢赞美女士“像拉斐尔的圣母般的美丽”。尽管时代不同，但是许多人都熟知并热爱拉斐尔式圣母的纯洁、温柔，这也是最高雅的女性美典范。拉斐尔曾写信给朋友提到：‘为了描写美人，务必看过很多美女。然而由于美女太少，我便采用浮现于心中的理想形象。’（注）由此可知，拉斐尔圣母像之美是理想中的完美形象。
拉斐尔的艺术建构在和谐庄重的古典美学基础之上， 同时结合了人文主义的时代精神。他藉单纯的主题表现人性中母子深厚的情感，通过亲切美好的人物形象传达圣母子的神圣内涵。 在贴近人们生活经验的同时，拉斐尔的圣母子画像不知不觉地延伸到人们内心，印象深刻。有人推崇拉斐尔是文艺复兴绘画的集大成者，不仅将文艺复兴的油画成就推到高峰，他的圣母子画像作品也成为后世西方绘画的经典。
（注：1515 年拉斐尔写信给人文主义者卡斯提尼奥尼的书信的一部分）
